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A DANÇA À LUZ DA BÍBLIA

Com exceção da dança de Salomé perante Herodes (provavelmente uma espécie de pantomima de influência romana), os múltiplos casos, exemplos e citações relacionados com a dança na Bíblia nem têm um caráter de sedução lasciva, nem são danças «a solo», exceto a dança (II Sm. 6:14-16; Cr. 15:29) de David, o «homem segundo o coração de Deus», tão respeitado pelo Povo do Senhor, ainda hoje.

Geralmente as danças são expressões grupais: de alegria, divertimento e/ou adoração a Deus.

Nomeadamente no livro de Salmos, há convites bem explícitos para louvar a Deus com danças, como por exemplo em Salmo 149:3, 150:4 (alguns tradutores escreveram flauta em vez de dança!!) .

Algumas outras referências:

Juizes 21:19-23;

I Samuel 30:16;

II Samuel 6:5: “David e toda a casa de Israel dançavam diante de Jeová...”
Salmo 87:7: “Dirão tanto os que cantam como os que dançam: todas as minhas fontes são em ti”;

Cantares 6:13: “Volta, volta ó Sulamita... Porque quereis contemplar a Sulamita, como a dança de Mahanaim?”.

Na parábola do Filho Pródigo, (Lucas 15:25) a dança assume um caráter bastante significativo, não só por ser uma alusão referida por Jesus, o Verbo que atualizou a Palavra de Deus e a personificou (Hebreus 1:1), mas também porque essa parábola ilustra a relação do homem com Deus, e a alegria que existe no céu quando um pecador se arrepende. Ora essa alegria é traduzida de várias formas, sendo uma delas a dança.

Talvez no céu isso aconteça, numa situação como essa e, se assim for, então existem danças no Céu. Os anjos dançam e cantam de júbilo quando uma criatura humana volta ao Lar Paterno! Não estou a afirmar, mas é uma possibilidade! Um dia saberemos ao certo, na Sua divina presença. Aleluia!

É também de salientar que a dança fazia parte da vida corrente, entre os judeus, e até dos jogos infantis, como lemos em Mateus 11:17 e Lucas 7:32.

Perante o que lemos na Bíblia, a dança é uma expressão de alegria, de festa, de convívio e de adoração a Deus. É de lamentar que, entre os cristãos evangélicos, se dance tão pouco.

Claro que, em todas as práticas, inclusive as artísticas, há sempre o bom e o mau. Existe má literatura, mas continuamos a ler bons livros. Existe má fotografia, mas continuamos a tirar e a ver fotografias. Existe má pintura, mas continuamos a pintar e a apreciar as artes plásticas. Existe mau cinema, mas continuamos a valorizar grandes obras cinematográficas. Existe mau teatro, mas também há bom teatro; má escultura e boa; péssimos programas de televisão e outros excelentes, etc..

“Examinai tudo, retende o bem”, aconselhou o apóstolo Paulo (I Tess. 5:21).

E podíamos dizer ainda que, infelizmente, dentro das igrejas também existe o bom e o mau. Há pessoas sinceras e outras hipócritas, há cristãos honestos e outros que o não são, e há também muita vaidade, muita maledicência, muita falsa santidade, muita inveja, muito fanatismo...Ao Senhor e só a Ele compete separar o trigo do joio.

Por isso, irmãos, se sentem o desejo de cantar, cantem! Se sentem o desejo de tocar, toquem. Se sentem o desejo de dançar, dancem... desde que em tudo o que façam não haja maldade, mas sim um espírito são, de alegria, de comunhão, de louvor a Deus, ou de simples diversão saudável, comunicativa!

Eu próprio tenho dançado, nomeadamente em festas de alunos meus, a seu convite, em ambiente de são convívio. Voltemos à Bíblia. Dancemos!

Por Orlando Caetano

A história do Jazz

O Jazz é uma forma de dança moderna, que é fortemente influenciada pelos sons, ritmos, técnicas de jazz e música.

Como música jazz, o jazz dança é muito individual, com uma ênfase na valorização das competências individuais.

Como a música que inspirou, o jazz tem as suas raízes na comunidade Africano-Americana nos Estados Unidos. Várias formas de jazz foram realizadas até o final dos anos 1800, e pela Primeira Guerra Mundial, tinha-se tornado uma dança bem aceita e bem conhecida.

Este estilo de dança passou a influenciar fortemente a Broadway e, por sua vez, Hollywood e também no balé e na dança moderna.

Nas aulas de ballet, eles aprendem controle, habilidade, e condições para o seu corpo dançar.

Uma vez os bailarinos tendo a disciplina e técnica do balé, podem complementar com o jazz. Qualificados os bailarinos de jazz podem aparecer em grande demanda nos filmes, produções da Broadway, e em todo o mundo, com a possibilidade de trabalhar em uma grande variedade de estilos.

O Jazz é conhecida por ser fortemente imprevisível, graças às suas influências Africanas. As movimentações dos bailarinos de jazz podem ser lentas, graciosas ou eles podem se mover com agilidade e rapidez, executando saltos fantásticos e outras proezas.

Como resultado, eles devem ser fisicamente muito flexíveis, e muito preocupados com a música que a dança, o ritmo.

Esta forma de dança não tem necessariamente de ser realizada com a música jazz, embora muitas vezes seja, podem usam a criatividade e usar músicas de todos os estilos.

Fonte: http://www.dicasdedanca.com.br

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A história do Ballet

Ballet é um estilo de dança com as suas origens na corte francesa, desenvolvida na França e na Rússia como uma forma de dança de concerto. É uma forma altamente técnica da dança com o seu próprio vocabulário. É utilizada principalmente com o acompanhamento de música clássica. Foi influente como uma forma de dança a nível mundial e é ensinado em escolas de balé ao redor do mundo que usam a sua própria cultura e sociedade. Os trabalhos de Ballet são coreografados, e incluem também a mímica, atuação e são ajustados à música (geralmente orquestral, mas ocasionalmente vocais). É mais conhecido na forma de balé clássico, notável por suas técnicas, tais como o trabalho de pontas e das pernas, sua graciosidade, fluindo, movimentos precisos, e suas qualidades etéreas. Desenvolvimentos posteriores incluem balé neoclássico e dança contemporânea.

A palavra “Ballet”

A etimologia da palavra “ballet” está relacionada com a história sob a forma de arte. O balé da palavra vem do francês e foi emprestado para o Inglês por volta do século 17. A palavra francesa, por sua vez tem suas origens na balletto italiano, um diminutivo de ballo (dança). Ballet em última análise, remonta a ballare latim, que significa a dança.

História

Ballet surgiu no final do século 15. O órgão jurisdicional da Renascença da Itália, como uma interpretação de dança de esgrima, e desenvolvido na corte francesa da época de Luís XIV, no século 17. Isso se reflete no vocabulário francês de balé. Posteriormente, após 1850, ballet floresceu na Dinamarca e Rússia. Foi a partir da Rússia, que retornou para a Europa Ocidental e, posteriormente, todo o mundo. Os Ballets Russos de Sergei Diaghilev e seus sucessores foram particularmente influentes durante este período. Ele continuou a ser enriquecida por danças folclóricas e das tradições da dança local.

No balé do século 20 continuou a se desenvolver e teve uma forte influência sobre a dança mais ampla. Por exemplo, nos Estados Unidos, o coreógrafo George Balanchine desenvolveu o que hoje é conhecido como balé neoclássico. Os desenvolvimentos posteriores agora incluem balé contemporâneo e dança pós-estruturais, visto no trabalho de William Forsythe, na Alemanha.

Ballet Clássico

O balé clássico é o mais formal dos estilos de balé, que adere à técnica do balé tradicional. Existem variações relativas à área de origem, como balé russo, balé francês, italiano. Os cinco estilos mais conhecidos do balé são o método Vaganova, ou Método Russo, depois de Agrippina Vaganova, o método Cecchetti, ou método italiano, depois de Enrico Cecchetti, o Método Bournonville, ou método dinamarquês, depois de Agosto Bournonville, o método Balanchine, ou School of American Ballet / New York City Ballet Método, depois de George Balanchine, e da Royal Academy of Dance Method, ou RAD Método, criado na Inglaterra.

Ballet Neoclássico

Balé neoclássico é um estilo de balé que usa o vocabulário do ballet tradicional, mas é menos rígido do que o balé clássico. O balé neoclássico é geralmente mais moderno e complexo do que no balé clássico. Embora a organização do balé neoclássico é mais variado, a ênfase na estrutura é uma característica definidora do balé neoclássico.

É o estilo do balé clássico do século 20 exemplificadas pelas obras de George Balanchine. Ele se baseia na técnica avançada do século 19 a dança da Rússia Imperial, mas priva-o da sua narrativa detalhada e cenário teatral pesado. Balanchine utiliza mãos flexionadas (e, ocasionalmente, pés), virou as pernas, fora das posições e fantasias não-clássicas (como colants e túnicas, em vez de tutus) a distanciar-se das tradições do ballet clássico e romântico. O que resta é a dança em si, mas sofisticada, elegantemente moderno, mantendo a estética sapatilha de ponta, mas abstendo-se o drama bem estofado.

Balanchine também trouxe bailarinas modernas na dança com sua companhia, a New York City Ballet, uma bailarina como foi Paul Taylor, que em 1959, realizado em Episódios de Balanchine. Balanchine também trabalhou com a dança moderna, a coreógrafa Martha Graham, ampliando sua exposição às modernas técnicas e idéias. Também durante este período, os coreógrafos como John Butler e Glen Tetley começaram a combinar conscientemente balé e modernas técnicas de experimentação.

Tim Scholl, autor de De Petipa de Balanchine, considera Apollo, de George Balanchine em 1928 o primeiro balé neoclássico. Apollo representava um retorno à forma em resposta a balés abstratos de Serge Diaghilev.

Ballet Contemporâneo

O ballet contemporâneo é uma forma de dança influenciada por balé clássico e dança moderna. Leva a sua técnica e utilização do trabalho de ponta do balé clássico, embora permita uma maior amplitude de movimentos que podem não aderir às linhas de corpo estritamente estabelecidos pelas escolas da técnica do ballet. Muitos de seus conceitos vêm as idéias e inovações da dança moderna do século 20, incluindo trabalhos de chão.

George Balanchine é frequentemente considerado como o pioneiro do balé contemporâneo, através do desenvolvimento do balé neoclássico.

Um bailarino que dançou brevemente para Balanchine foi Mikhail Baryshnikov, um exemplo de Kirov Ballet de formação. Após a nomeação de Baryshnikov como diretor artístico do American Ballet Theatre em 1980, ele trabalhou com vários coreógrafos modernos, mais notadamente Twyla Tharp. Tharp coreografada Push Comes To Shove para ABT e Baryshnikov, em 1976, em 1986, criado no Cenáculo, para sua própria companhia. Ambas as peças foram consideradas inovadoras para o uso dos movimentos distintamente modernos, fundiu com o uso de sapatilhas de ponta e bailarinos de formação clássica – para o uso de “ballet contemporâneo”.

Tharp também trabalhou com a companhia Joffrey Ballet, fundada em 1957 por Robert Joffrey. Coreografou Deuce Coupe em 1973, usando a música pop e uma mistura de técnicas modernas e balé. O Joffrey Ballet continuou a executar várias obras contemporâneas, muitas coreografada pelo co-fundador Gerald Arpino.

Hoje existem muitas companhias de balé contemporâneo e explicitamente coreógrafos. Estes incluem Alonzo King, linhas de Alonzo King’s Ballet, Nacho Duato e Compa ia Nacional de Danza, William Forsythe, que já trabalhou extensivamente com o Ballet de Frankfurt e hoje dirige a Cia Forsythe e Jir n Kyli, atualmente diretor artístico da Nederlands Dans Theatre. Tradicionalmente “clássicos” das Cias, tais como o Ballet Kirov e o Ballet da Ópera de Paris, também executam regularmente obras contemporâneas.

Fonte: http://www.dicasdedanca.com.br

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A história da dança Moderna

Uma Breve História da Dança Moderna

Os artistas da dança moderna tem muito orgulho da sua história, tendo o pólo oposto do balé. Ballet é a história da organização, movimento simétrico, as tradições das cias, teatros, assim como indivíduos. Dança moderna, por outro lado, é quase totalmente a história das personalidades, bebidas espirituosas e corações de cada um dos bailarinos, que elaboram as suas próprias filosofias, e definir os seus próprios estilos. Estes estilos evoluem e são transmitidos aos estudantes que, em seguida, romper a criar algo novo e tão pessoal.

Dança Moderna na América

Dança Moderna começou na América no início do século 20 quando os antecessores dos artistas que hoje conhecemos, começou sua própria rebelião contra a formalidade do balé e da previsibilidade das populares mostras de dança do período.

As suas técnicas e estilos eram muito diferentes, o que eles tinham em comum era insatisfação com as opções disponíveis para bailarinos e, em seguida, o objetivo último de transmitir ao seu público um senso de realidade interior e exterior – um objetivo que ainda inspira bailarinos modernos hoje.

Os pioneiros da dança moderna na América pode ser atribuídos a Loie Fuller, Isadora Duncan, Ruth S., Dennis, Ted Shawn e Maude Allan.

A primeira geração de Dança Moderna

Durante a década de 1920, uma paixão pela dança interpretativa movimentava a América. Os estudos do excessivo gesto tinham crianças em idade escolar, estudantes universitários e pessoas em todo o país realizando uma espécie de balé simplificado em pés descalços e roupas largas.

Isadora Duncan e Denishawn tinham introduzido audiências e bailarinos similares ao conceito de uma nova forma de dança teatro. O terreno tinha sido estabelecido para o trabalho da primeira geração de bailarinos modernos que começou o desenvolvimento da arte, tal como a conhecemos hoje.

A primeira geração de dança moderna: Martha Graham, Doris Humphrey, Mary Wigman, Charles Weidman, Hanya Holm, Oskar Schlemmer, Agnes de Mille, Gertrude Bodenweiser, Kurt Joos, Helen Tamaris e Lester Horton.

A segunda geração de Dança Moderna

Até o final da II Guerra Mundial os fundadores da dança moderna tinham produzido uma cultura de talentosos estudantes que, como as crianças fazem muitas vezes, fazia com os seus “pais” bem-estabelecidas e teorias usadas para criar seu próprio tipo de dança.

A grande batalha pela posição e respeitabilidade já tinha sido vencida, não era necessário para a segunda geração de tomar si ou sua arte com a mesma seriedade mortal que tinha caracterizado os seus antecessores.

A segunda geração de dança moderna: Erich Hawkins, Merce Cunningham, Paul Taylor, Anna Sokolow, William Bales, Jane Dudley, Sophie Maslow, Jean Erdman, Jose Limon, Ann Halprin, Sybil Shearer, Alwin Nikolais, Glen Tetleym Alvin Ailey, Katherine Dunham , Pearl Primus, Anita Entra, Edwin Strawbridge Steve Paxton, Yvonne Rainer, Meredith Monk, Twyla Tharp e James Waring.

A Geração Moderna

As convulsões sociais e artísticas do final dos anos 1960 e 1970 sinalizaram ainda mais radicais da dança moderna. Dança moderna é hoje muito mais sofisticada, tanto em técnica e tecnologia, que começou a dançar pelos bailarinos clássicos. Os bailarinos nessas danças são inteiramente compostos de espírito, alma, coração e mente.

A preocupação com os problemas sociais e da condição do espírito humano ainda está lá, mas questões são apresentadas com uma teatralidade que teria chocado muitos dos primeiros bailarinos modernos, tão preocupados com o que estabelece como sérios artistas.

A essência da dança moderna é a de olhar em frente, não para trás. O conflito entre balé e dança moderna olha como se vai continuar a enriquecer a ambas as formas, mas também não é provável que perca a sua identidade no processo.

É impossível prever o que a dança moderna irá tonar no futuro, mas, se as modificações ocorridas durante os próximos 50 anos são tão radicais como as que ocorreram durante os últimos 50, a dança poderá encarar um momento interessante.

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Louvai ao Senhor

Louvai ao SENHOR. Louvai a Deus no seu santuário; louvai-o no firmamento do seu poder.

Louvai-o pelos seus atos poderosos; louvai-o conforme a excelência da sua grandeza.

Louvai-o com o som de trombeta; louvai-o com o saltério e a harpa.

Louvai-o com o tamborim e a Dança, louvai-o com instrumentos de cordas e com órgãos.

Louvai-o com os címbalos sonoros; louvai-o com címbalos altissonantes.

Tudo quanto tem fôlego louve ao SENHOR. Louvai ao SENHOR.

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As 5 posições das pernas - balé clássico

Primeira Posição

Segunda Posição

Quarta Posição

Quinta Posição

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As 5 posições dos braços - balé clássico

As posições dos braços são extremamente importantes, principalmente para os estudos de ballet feitos na barra. As imagens aqui representarão as seis posições de braços principais, que originam outras mais e embelezam coreografias nos ballets. Os braços não devem ser essencialmente executados nas suas respectivas posições. A variação é permitida e dá mais efeito.

Vejamos as exemplificações, com imagens do dicionário do 'American Ballet Theater'.